Marco Alibrando / Reviews

Tornare bambini grazie alla musica. Al Teatro Coccia di Novara è andata in scena con un bel successo una versione contemporanea della fiaba di Hänsel e Gretel. Ami e Tami, questo il titolo del lavoro del compositore americano Mátti Kovler, scritto vent’anni fa, quando il musicista ne aveva appena 17, e che continua a conservare una freschezza e una piacevolezza immutate. Si tratta di un lavoro che si muove a cavallo tra opera e musical, con una scrittura colta, ricca di melodia, di gradevole ascolto, che echeggia Gerswhin, Puccini, a volte lo Shostakovich delle Jazz suite. La nuova orchestrazione, commissionata dal teatro, ha trovato efficace restituzione nei bravi strumentisti del Dèdalo ensemble, storico gruppo bresciano dedito alla musica contemporanea, qui diretto con mano ferma, attenzione al canto e bel ritmo teatrale dal giovane e solido Marco Alibrando. Il lavoro, che alterna parti cantate a parti recitate, nasce facendo perno sull’alchimia di parole e suoni: a detta dell’autore, ha funzionato in inglese, ebraico e russo, ma funziona molto bene anche in italiano. Questo, grazie alla riscrittura creativa di Andrea Ascari, che mette nel testo opportuni riferimenti all’attualità e riesce a trovare immagini poetiche che trasmettono il significato e lo spirito dell’opera. Quest’ultimo, come in ogni fiaba che si rispetti, si risolve nell’appello a mantenere viva in noi la fantasia, a sognare, a emozionarci proprio come accadeva quando, bambini, ascoltavamo le favole dalla voce dei nostri genitori. Vivace e indovinata la regia di Marco Iacomelli, affiancato da Costanza Filaroni e Massimiliano Perticari; bellissimi i costumi di Francesca Sartorio e Flavia Ruggeri; simpatiche le coreografie di Ilaria Suss, suggestive le luci di Ivan Pastrovicchio. Bravissimi tutti gli interpreti, forgiati dalla Scuola del Teatro Musicale del Coccia, a cominciare dai protagonisti Ami (Enea Lorenzoni) e Tami (Marta Noé): brillanti nella recitazione, intonati e precisi nel canto. Così come gli adulti Giulia Diomede (Mamma/Strega), Stefano Colli (Papà/Orco), Leonardo Pesucci (Imf) e Silvana Isolani (Nonna). Impeccabile il coro di voci bianche del Coccia istruito da Paolo Beretta e Alberto Veggiotti. Applausi entusiasti soprattutto dal pubblico di bambini e ragazzi, letteralmente incantati dallo spettacolo.

Scommessa vinta grazie alla bacchetta di Marco Alibrando che dal podio restituisce intatte le atmosfere, i colori, le inquietudini del Castello grazie ad un minuzioso lavoro di concertazione. Il direttore siciliano, interprete di grande maturità e di spiccata e non comune sensibilità, scava nella partitura, la viviseziona e la ricompone per trovare, con i ventitré musicisti (che sono quelli dell’orchestra del Coccia) il suono ideale per raccontare (con poco) il mondo (sonoramente ridondante e sterminato) di Barbablù. Mondo nel quale Alibrando ci introduce con un suono nebbioso, che viene dal silenzio, sul quale si stagliano le parole del prologo, detto (da Giuditta Pascucci e Carolina Rapillo) in italiano e non nel più litanico, rituale, magico ungherese del libretto. Sette porte oltre le quali ci conduce Alibrando dando ad ogni scena, ad ogni scoperta di Judit un colore, un’atmosfera diversa: tagliente e metallica quella della camera delle torture, ipnotica quella della stanza dei gioielli, che diventa poi lussureggiante nel giardino, solenne nel descrivere il regno di Barbablù che, nell’intuizione registica di Deda Cristina Colonna, diventa la sala del teatro, illuminata a tutta luce. Ma poi arriva il sangue, che colora tutto. Arriva il brivido (letteralmente nella concertazione di Alibrando, lunare e siderale) del lago di lacrime. Arriva l’ultima porta. Quella delle tre mogli. Vive, nel racconto di Bartók e Balázs, immobili, cristallizzate in un’inquieta, candida eternità con i loro volti ricamati nell’arazzo che cala dall’alto, sudario funebre per Judith immobile sul trono/tomba.