Past Production Reviews
11Auf einem Ball der Gräfin de Coigny trägt der Dichter Andrea Chénier seine Werke vor, das führt zu großer Aufregung: er greift den Adel und seinen ausschweifenden Lebensstil an. Der Diener Gérard, der die Tochter des Hauses, Maddalena, heimlich liebt, stört mit einigen Revolutionären das Fest. Er wird zurückgeschlagen und entlassen. Obwohl Chénier mit den revolutionären Ideen sympathisiert, wird er aufgrund seiner Kontakte zum Adel bespitzelt. Sein Freund Roucher rät ihm zur Flucht. Der Dichter weigert sich wegen der Liebesbriefe einer geheimnisvollen Unbekannten, die er kennenlernen will. Sie entpuppt sich als Maddalena de Coigny. Es kommt zu einer Liebesszene, die vom Incredibile beobachtet und an den, mittlerweile zum Revolutionsführer aufgestiegenen, Gérard gemeldet wird. Im Duell mit Chénier wird Gérard verwundet. Nach seiner Genesung läßt er den Dichter verhaften und stellt ihn vor das Tribunal. Maddalena setzt sich für seine Rettung ein, kann aber das Todesurteil nicht verhindern. Während Andrea Chénier im Kerker auf seine Hinrichtung wartet, besticht Maddalena einen Wärter, sie anstelle einer verurteilten Delinquentin aufs Schafott zu schicken. Unter falschem Namen geht sie an der Seite ihres Geliebten in den Tod.
"Eindrucksvoll gestaltet Judith Spießer alle drei Rollen der von Hoffmann begehrten Frauen: als Automat Olympia mit souveränen Koloraturen, als zerbrechliches, vom Vater gegängeltes Wesen Antonia in der Zwangsjacke und als Kurtisane Giulietta im lasziven Paillettenkleid. Mit großer Leichtigkeit, Klarheit und Höhensicherheit lässt sie ihre Silberstimme strömen." (...)
"Bei Bauer verkörpert Judith Spießer alle drei Frauen. Und das mit Bravour. Als Olympia ist sie mit hervorgehobener Busen-, Hintern- und Geschlechtskennzeichnung albern in eine Sexpuppenhaftigkeit überzeichnet. Als Antonia flieht sie in einer Kombination aus Tütü und Zwangsjacke immer wieder aus dem Krankenbett. Als Giulietta kommt sie in glitzernder Glamourrobe. So wandlungsfähig wie ihre Garderobe ist Spießer mit der vokalen Ausstattung der drei Teil-Traumfrauen Hoffmanns."
Adriana Altaras verbindet in ihrer Inszenierung eine starke Fokussierung auf die Emanzipationserzählung einer Frau, die ihre Stimme findet, mit überdrehten – teils auch etwas klamaukigen – Elementen der Commedia dell’Arte. Das passt und wird durch die starke Gesangsleistung von Vero Miller in der Titelrolle beglaubigt, die koloratursicher und mit betörend klarem Mezzosopran ihren Wertekompass vertritt („Ah, signor, s’è ver che in petto“) und dabei das Gute obsiegen lässt.
Auch den Solistinnen wird ganz viel abverlangt. Ich nenne Nummer, zum Beispiel, diese anspruchsvolle Rolle der Elvira. Da gibt es dramatische Passagen - hochdramatische - Koloraturen, aber auch ganz zarte lyrischen Stellen. Emma McNairy hat genau diese wunderbar wandlungsfähige Stimme, die mann dafür braucht. "A lot is also demanded of the soloists. I mention, for example, the demanding role of Elvira. There are dramatic passages, highly dramatic ones, and coloratura, but also very delicate lyrical passages. Emma McNairy has exactly that wonderfully versatile voice that you need for this."
Non avevamo mai sentito, invece, Emma McNairy, Ännchen: ci ha colpito per la fresca spigliatezza della voce e la presenza drammatica. We had never heard, however, Emma McNairy, Ännchen: she struck us for the fresh ease of her voice and her dramatic presence.
Frankfurter Allgemein, Stephan Mösch, 15.02.22 Das Ännchen der stimmstarken und musikalisch pointensicheren Emma McNairy muss als Domina in weißen Lacklederstiefeln männliche Hündchen züchtigen.
The Staatstheater Kassel has now given its second symphony concert on the Day of Prayer with this philosophically and musically extraordinary work. It is deep in the black romance and the establishment of the Kassel "Ring" director Markus Dietzfocuses on the surprisingly modern aspect of the loneliness of the individual. Manfred's Faustian features - one feels reminded of Schumann's "Scenen aus Goethes Faust" - are expressed in a self-destructive tendency to forget. Dietz does not emphasize the hero's incestuous love for his sister, which triggered suicide, but in his version of the text makes Astarte a distant lover, the object of an aching longing, but also only an exaggerated mirror and transfigured ideal image of Manfred himself. He feels a guilt that with existence itself and which he tries to master with the help of the elemental spirits and an "Alpenfee" as an incarnation of the romantically exaggerated, sublime nature.Under the precise hands of Francesco Angelico , skilfully guiding the musicthe Kassel orchestra unfolds the expressive beauty of Schumann's ideas. Mendelssohnian light, gloom overcast by basses, longing calls, discreet restraint in the melodramas, sublime simplicity as in an opera by Gluck in the address to Astarte, but also heroic fullness, for example in the introduction to the third "section" of the great poem, are realized with care and a sense of sound. However, the acoustics of the Martinskirche allow only little differentiation; the balance between woodwinds and strings, strangely enough sometimes also a rounded sound of the brass are obviously difficult to optimize. The chorus, on the other hand, sounds in some places from a reverberant approximation, then again powerfully present, but could mix the sound more smoothly. That shouldn'tMarco Zeiser Celesti 's rehearsal, but rather the placement, because in the finale the opposite of the choir (from the gallery) and the orchestra succeeds admirably. As the narrator, Markus Dietz avoids pathetically charging Byron's chosen words. He maintains careful distancing and a measured declamation that pays attention to meaningful references. Meret Engelhardt also follows this line as a speaker and uses a melodious, unforced diction. Schumann gives the soloists Margarethe Fredheim (soprano), Maren Engelhardt (mezzo), Daeju Na (tenor) and Magnus Piontek (bass) roles that are not exactly rewarding. One leaves the concert not only impressed by Schumann's profound music, but also deeply touched by material that shockingly radicalizes the inexpressible longing of Romanticism, as ETA Hoffmann has captured it in literary masterpieces.
Alban Berg's “Wozzeck” is a very special kind of total work of art. Not only because the clash between Georg Büchner's ingenious drama fragment from 1837 (which only appeared in 1879) and Berg's music from 1925 in a key work of modern music theater creates such bright sparks that this per se also illuminates the oppressive dark side of life today. In such a way that you actually look into the abyss, as Wozzeck, who believes he is on the trail of many things, says in his naive clairvoyance. Despite all the challenging modernity of this three-act play, it is this close connection between text and music in particular that provides the decisive tailwind for understanding “Wozzeck” as a piece of opera for the present. The battered person who fights against the circumstances, lets himself be made the guinea pig of an over-the-top doctor to take care of Marie and his illegitimate son, whom he cannot even look at. Wozzeck is a man who endures the captain's ridicule and yet has an inkling of the world because he knows (or better suspects and feels) that abyss than the two adversaries above him dream. On the other hand there is the unconditional lust for life and greed for life of Marie, who gets involved with the drum major, feels like a "bad person", but can't help it. When Wozzeck has the feeling that this part of his life is still missing, he finally becomes a murderer and suicide.
Hessische Niedersächsische Allgemeine (...) Opulent, oppressive, great sung (...) Large pictures and detailed mini-scenes offer a lot of eye food (...)
