Critiques de productions passés
31[...] especialmente destacados el contratenor Jake Arditti como Amore, los barítonos Guillem Batllori y Milan Perišic como Liberto y Littore [...]
Sir Jonathan Miller's La bohème is back at the Coliseum once again. Taking its inspiration from the interwar Paris of Brassaï and Cartier-Bresson, Isabella Bywater's sets are efficiently attractive, though it is contingent on each revival cast to bring the performance to life. English National Opera's latest revival cast brings freshness and a fine attention to detail under revival director Crispin Lord, bringing to the fore some of Miller's more inspired touches from landlord Benoit's badgering wife to the tipsy sailors stumbling out of the tavern. Lord also maintains tight control over Act 2's festivities, deftly focusing the audience's attention between the street vendors, military bands and café diners as needed. Amanda Holden's translation, though, needs an update, coming across more as Gilbert and Sullivan than rowdy twenty-somethings getting drunk in Paris.
Por Xavier Borja Bucar / @XaviBorjaBucar Barcelona. Gran Teatro del Liceo. 12-I-2019. Giacomo Puccini: Madama butterfly. Lianna Haroutounian (Cio-Cio-San), Ana Ibarra (Suzuki), Jorge de León (Benjamin Franklin Pinkerton), Damián del Castillo (Sharpless), Christophe Mortagne (Goro), Isaac Galán (Príncipe Yamadori), Felipe Bou (Bonzo), Mercedes Gancedo (Kate Pinkerton), Antonio Durán (Yakusidé), Eduard Moreno (Comisario imperial), Alejandro Llamas (Oficial del registro), Vanesa Cañizares (Madre de Cio-Cio-San), Irene Mas (Tía de Cio-Cio-San), Numil Guerra (Prima de Cio-Cio-San) Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatro del Liceo. Dirección musical: Giampaolo Bisanti. Dirección del Coro: Conxita Garcia. Dirección de escena: Moshe Leiser y Patrice Caurier. El pasado sábado volvió Madama Butterfly al Liceu y, con ella no llegó el escándalo, como en aquel espléndido melodrama de Vincente Minnelli, pero sí el público, que abarrotó la sala por primera vez esta temporada, algo a todas luces previsible. Al público siempre le gustó, le gusta y le gustará la sangre, y lo corrobora el incólume poder de atracción de la historia de esa niña miserablemente engañada que se suicida al serle desvelada la cruel verdad. Por cierto, a tenor del suicidio, no puede uno dejar de traer a colación unas enigmáticas palabras de Ainhoa Arteta en una entrevista publicada en el programa de mano (está previsto que la soprano guipuzcoana debute como Cio-Cio-San en esta producción liceísta): «[…] me molesta que digan que es un suicidio. ¡No lo es! Es un harakiri, un acto de honor”, sentencia Arteta, como si una cosa fuera excluyente de la otra o como si la soprano hubiera concebido una forma posible de cometer un harakiri sin quitarse la vida, lo cual, así a vuelapluma, parece más improbable que subir una escalera hacia abajo, algo, por otro lado, no del todo imposible.
El doble programa verista integrado por las óperas de Mascagni y Leoncavallo es uno de los platos más populares y exquisitos del repertorio lírico internacional. Un éxito asegurado allí donde se programe si se cuenta con una buena producción, como es el caso, y con un reparto solvente, lo más difícil. El Liceu apostó por Roberto Alagna doblando como protagonista en ambos títulos junto a un elenco de primer orden que incluía a su mujer, Aleksandra Kurzak, como Nedda. Pero lo más llamativo era la inteligente propuesta escénica de Damiano Michieletto que entrelaza las dos obras incorporando a algunos de los protagonistas especialmente en unos muy cuidados interludios musicales, como en el famoso intermezzo de Cavalleria rusticana en el que Nedda intima con Silvio. Michieletto juega con una escenografía que representa una panadería sobre una plataforma giratoria para Cavalleria y con un polideportivo para Pagliacci con una dirección de actores muy cuidada y en un detallismo casi cinematográfico que enfatiza con diversos juegos de desdoblamiento de los personajes. Los decorados de Paolo Fantin presentan la crudeza y la realidad de unos ambientes rurales muy sencillos y que funcionan a la perfección.
Em costa trobar la justificació a aquest projecte de la trilogia Mozart / Da Ponte que Marc Minkowski porta al Liceu juntament amb el director teatral Ivan Alexandre, després d’assistir a la primera representació que es va iniciar ahir amb Le Nozze di Figaro i que avui continua amb Don Giovanni i dissabte amb un Cosí fan tutte que ja no veuré. Potser la idea teatral tingui el seu interès, ja us diré demà passat si teatralment aquesta utilització d’una única escenografia per a les tres òperes és tan genial, de moment Le Nozze ha estat correcta sense més, com tantes altres produccions respectuoses amb l’època i la dramatúrgia, però res excepcionalment brillant, ans al contrari, extremadament senzilla, gens transgressora i fàcil de muntar en escenaris petits, de teatres petits de qualsevol vila de províncies.00 Musicalment, la proposta té el gran atractiu de Marc Minkowski dirigint l’orquestra del Liceu. El director francès no necessita presentació i ha fet aportacions excepcionals des de l’originari repertori barroc que el catapultà a la fama, fins a Offenbach del qui és un dels màxims avaladors a Berlioz o Wagner, del que recordem un explosiu Der Fliegende Holländer al Palau de la Música.
“The two soloists fully assume the requirement of writing...it is first of all the astonishing performance of Allison Cook as the Marquise that will be remembered, passing from one hallucination to another at will, with pyrotechnics as much musical as they were psychic.” (Anaclase, March 2017)
Bien qu’elle n’échappe pas à cette tension, l’écriture vocale ménage un lyrisme dont s’empare l’excellent plateau. La mezzo-soprano Allison Cook, dont on se souvient notamment de la prestation dans Quartett de Francesconi à Milan en 2011, confirme son engagement dans la création lyrique et charge le personnage de Lea de toute l’intensité possible sans jamais basculer dans l’excès.
Mezzo soprano Allison Cook excelled in the demanding role of Lea both in the dramatic aspect as well as in her ease of projection and employing a timbre endowed with an ethereal quality.” (La Platea, February 2019)
Verdi, Nabucco: Soloists, Chorus and Orchestra of the Royal Opera House, Covent Garden / Daniel Oren (conductor). Royal Opera House, Covent Garden, 20.12.2021. (CC)
The run-up to curtain-up wasn’t auspicious. The Royal Opera House prefaced this opening night of the revival of Daniele Abbado’s 2013 production of Nabucco with an earlier announcement that the next two performances of Verdi’s biblical epic of religious enlightenment and reckoning, on 23rd and 28th December, had had to be cancelled, ‘due to resource challenges caused by the Omicron COVID-19 variant’.
El montaje de Gilbert Deflo con espléndida escenografía y exuberante vestuario, ambos a cargo de William Orlandi, es un regalo para la vista. Fabuloso ese primer cuadro, luminoso, primaveral, con el parque, el paseo, esos niños que juegan a ser soldados que revelan la clara influencia de la Carmen de Bizet en dicha escena. Elegantísima la pastoral y qué decir de la habitación de la Condesa, la propia de una gran señora de la época en la Rusia zarista, con sus exuberantes vestidos y una cama con espectacular dosel.
impecables los catalanes GemmaComa-Alabert como Laura y el aldeano del tenorAlbertCasals.
From the set design to the costumes to the incandescent vocals, The Royal Opera House raises the bar yet again with this performance of Don Giovanni.
You couldn’t ask for a more cultured pair of voices than our master and servant pairing of Erwin Schrott and Gerald Finley: both have burnished, smooth bass-baritone voices and effortless Mozartian phrasing which meant that, in purely musical terms, listening to them was a delight. However, Schrott’s comic timing seemed off in recitative – the little delays while he tries to remember the name of the woman he’s talking to held for slightly too long, an occasional hesitancy rather than confident gusto. In terms of comedy, Finley’s Leporello is something of a work in progress: in his role debut, the alternation of cringing and deviousness didn’t come across as natural. But these are two great singers and the chemistry between them improved through the course of this performance. Let’s hope that it keeps doing so during the run.In contrast, Adela Zaharia’s Donna Anna and Frédéric Antoun’s Don Ottavio looked completely comfortable in their roles from the moment they arrived on stage. Zaharia was the pick of the singers, with ardent delivery, clear intelligibility and a voice that made you sit up and listen. Antoun’s tenor has a slightly covered timbre but he injected plenty of emotion and played a full part in moving the action along. Nicole Chevalier (like Zaharia, a frequent star at Komische Oper Berlin) sang Donna Elvira with masses of character and total confidence throughout her range. I could have hoped for sharper comedy and some more chemistry between characters. But this is an intelligent staging, vocal performances were excellent throughout and the orchestral playing that kept us completely engaged from start to finish. Even with a half-full Covent Garden, it was good to be back.
To stage a successful production of Strauss’ “Elektra” is a monumental feat all its own, but to do it with such sophistication and finesse as the Metropolitan Opera’s Friday night performance is herculean." The complexity of the libretto and score are second to none in the operatic repertory. It was the first of several famed collaborations between Austrian librettist Hugo von Hofmannsthal, one of the founders of the Salzburg Festival, and one of the great champions of late romanticism and early modernism, Richard Strauss. The demands on the singers are staggering as they attempt to navigate the extremities of their instruments while both soaring above and piercing through one of opera’s most intricate and robust orchestral compositions
in this revival, you could home in even closer to just its two sisters, antipodal soprano roles sung by Nina Stemme and Lise Davidsen with floodlight luminosity and painfully human sensitivity. Chéreau’s staging, which premiered at the Aix-en-Provence Festival in 2013 before coming to the Met six years ago, doesn’t seem to have aged a day. And it’s difficult to imagine that happening soon with a placeless production that suits the timelessness Sophocles’ classic tragedy.
2004 übernahm die Wiener Staatsoper die Produktion der Salzburger Festspiele. Nun ist sie wieder zu sehen, in glänzender Besetzung und mit einem Dirigenten, von dem man sehr viel hören will: Thomas Guggeis, 29 Jahre, gebürtiger Deutscher und ab 2023/24 Generalmusikdirektor der Oper in Frankfurt. Er setzt auf Hochspannung und Transparenz. In manchen Passagen eine Nuance zu viel, was bei dieser Musik nicht unbedingt ein Nachteil ist. Er leuchtet jede Passage mit dem brillant musizierenden Staatsopernorchester aus, lässt die Anklänge an Richard Strauss hören und den späteren Schöpfer extrem gefühlsbetonter Filmmusik, dabei verlegt er den Schwerpunkt auf Thriller-Elemente.
Wiederaufnahme-Wochen an der Staatsoper: Nach "Peter Grimes" und "Manon Lescaut" ist nun auch das Jugendmeisterwerk von Erich Wolfgang Korngold ans Haus zurückgekehrt, und das vorbildlich. Die "Tote Stadt", 2004 von Willy Decker für Salzburg inszeniert und wenig später nach Wien übersiedelt, strotzt bei ihrer Auferstehung nur so vor Leben.
…y muy acertada la incorporación como Schaunard de un muy activo Josep-Ramon Olivé, uno de los mejores elementos de este segundo reparto junto a la Musetta de Katerina Tretyakova.
Para el final, y expresamente, hay que citar al más que interesante Masetto del barítono Josep-Ramon Olivé y a la soprano Leonor Bonilla como Zerlina, quien fue de menos a más para acabar deslumbrando con una voz de gran calidad, muy cuidada línea canora y perfecta adecuación al rol.
De même découvre-t-on avec plaisir le jeune et talentueux baryton Josep-Ramon Olivé, impeccable en Kuliguin, le compère de Vania auquel il prête un timbre de toute beauté [lire notre chronique du 2 juillet 2016].
Conviene poner el acento también en el debut de Josep-Ramon Olivé en el Liceu. Estrenarse al lado de algunos artistas consagrados en este repertorio no debió ser fácil, pero superó el examen con nota, confirmando lo que ya se sabía por sus actuaciones previas (en el Palau y el Auditori sobre todo): que tiene una excelente base para construir una buena carrera, si se le da la ocasión de seguir pisando escenarios en casa.
La labor de los solistas fue ejemplar, destacando por su presencia vocal y la acertada composición de sus dos personajes la mezzosoprano Anna Alàs i Jové
Los dos roles contradictorios y tremendamente simbólicos de Anna Alàs, la más aplaudida, son un reto teatral que la cantante afronta con un admirable despliegue y madurez interpretativa. No se queda atrás en el apartado vocal, con calidez, expresividad, un amplio registro y una rotunda sabiduría para encarar el difícil trabajo que le encomienda el duo Rosich-Magrané.
One of the reasons that Turandot is a problem opera is that the two main roles are so unsympathetic, so it’s left to Liù to conquer the audience’s heart. Anita Hartig accomplished that in no uncertain terms: throwing her soul into the tragedy of the character and giving us a voice which perfectly combined strength and sweetness. Both the scene where she explains that Calaf once smiled on her and her subsequent death scene were the vocal highlights of the evening. Faced with such competition, how can the singer of the title role respond?
