Name: Concerto sinfonico Orchestra Sinfonica “Vittorio Calamani”
Start: 2020-08-16T00:00:00.000Z
End: 2020-08-16T00:00:00.000Z
Location: Piazza XX Settembre

Organization

Admin

Orvieto Festival della Piana del Cavaliere

Orchestra

Orchestra Calamani

Conductor

Hossein Pishkar

Concerto sinfonico Orchestra Sinfonica “Vittorio Calamani”

Configni

Italy

Piazza XX Settembre

Public

Serenade for Wind Instruments in D minor, op. 44

Serenade Nr. 2 A-Dur op. 16

Delfina Gago

Approved

Accordionist

Instrumentalist

Archlutenist

Baroque Flutist

Baroque Oboist

Baroque Trumpetist

Bassist

Bassoonist

Cellist

Clarinetist

Contrabassist

Cornettist

Flutist

Guitarist

Harper

Harpsichordist

Hornist

Lutenist

Mandoline Player

Musette de cour Player

Oboist

Organist

Percussionist

Pianist

Recorder Player

Saxophonist

Tenor Violinist

Timpani

Trombonist

Trumpeter

Tuba Player

Vibraphonist

Viola Pomposa Player

Viola da gamba

Viola d’amore Player

Violinist

Violino Piccolo Player

Violist

Actor

Broadcasting

Choir

Choreographer

Chorus Director

Chorus master

Composer

Costume designer

Dancer

Dramaturge

Executive producer

Extra

Hairstylist

Illustrator

Librettist

Lighting designer

Makeup artist

Orchestra Operations

Other

Photographer

Poet

Repetiteur

Set designer

Sound designer

Stage Manager

Stage director

Teacher

Translator

Video designer

Vocal coach

Wig & Makeup Designer

Writer

Writing and performance

Bass

Singer

Baritone

Bass-baritone

Tenor

Contralto

Mezzo-soprano

Countertenor

Soprano

Alto

Child vocalist

Continuo

Silent

Spoken

Note di sala
Quando, poco più che trentenne, il compositore cèco scrisse nel 1875 una prima Serenata
per archi (l’op. 22) il suo modello non era certo
Mozart. Era semmai, a distanza, il Brahms
delle due Serenate op. 11 e op. 16.
A suggestioni romantico-elegiache può infatti
essere ricondotta l’atmosfera malinconica che
domina questo lavoro. Ma fu tuttavia proprio
Brahms, divenuto il suo protettore presso
l’editore Simrock, ad incoraggiare la vocazione
nazionale e autoctona di Dvořák. Fu così che
egli, nel 1878, dette un pendant di carattere
quasi opposto alla prima Serenata, scrivendone una seconda per dieci strumenti a fiato,
violoncello e contrabbasso. Essa fu presentata
per la prima volta a Praga nel corso di un concerto in cui Dvořák diresse musiche proprie e
che si svolse il 17 novembre 1878. Questa serata fu fondamentale per la sua notorietà di
compositore e per la sua carriera di direttore.
Abbandonando definitivamente certe velleità
tardo-romantiche, la Serenata costituisce una
significativa presa di coscienza della vera vocazione dell’autore e nello stesso tempo un ritorno al gusto per una musica «all’aperto» e
di sapore villareccio o contadino.
I dieci strumenti a fiato sono clarinetti, due fagotti, un controfagotto (che è ad libitum e quando è indicato si limita per lo più a raddoppiare
la parte del contrabbasso) e tre corni. Apparentemente la Serenata obbedisce alla tradizionale suddivisione in quattro tempi. Ma il
materiale usato è popolare. Già il primo movimento è una fantasiosa e libera marcia. Il secondo poi, dietro le due etichette di minuetto e
trio, ospita due danze popolari cèche, una sousedka e un furiant (di quest’ultimo Dvořák farà
grande e brillantissimo uso anche in altri lavori). Il tempo lento è costituito da un andante
con moto che è un notturno, ma con una melodia semplice, di gusto cèco. Anche il finale
consta di una danza popolare, una brillante
polka che ospita, prima della ripresa, un richiamo alla marcia del primo movimento.
Pochi mesi dopo la prima esecuzione, la Serenata entrò nel catalogo di Simrock a Berlino, insieme con la prima serie delle Danze
Slave e alle tre Rapsodie Slave. I tre lavori erano in effetti nati contemporaneamente e per
effetto dello stesso impulso creativo.
La Serenata in la maggiore op. 16 venne composta da Johannes Brahms nel 1858 durante
il soggiorno nel principato di Lippe-Detmold,
dove il musicista amburghese ricopriva incarichi di direttore d’orchestra, pianista e insegnante della principessa.
Fu un soggiorno sereno e proficuo, che permise a Brahms di prendere coscienza delle
proprie capacità compositive, come testimoniano le lettere a Clara Schumann («Che bello creare con vigore rinnovato! Ora trovo molto gusto nelle mie cose. Credo veramente, cara Clara, di crescere») e, all’amico violinista
Joachim («Ero di ottimo umore a Detmold. Di
rado ho composto con tanto diletto»).
L’organico della Serenata op. 16 («la sorella
più giovane e più tenera» dell’op. 11, secondo
la felice definizione del critico viennese Eduard
Hanslick), accanto a flauti, oboi, clarinetti,fagotti e corni, prevede gli archi senza i violini,
a testimonianza della predilezione di Brahms
per il registro centrale, per i toni più morbidi
e scuri, per le sonorità più intimistiche. Questa scelta verrà poi ripetuta nella prima parte
del Requiem tedesco op. 45 del 1868 (anche
qui mancano i violini) e nei due Quintetti per
archi op. 88 (1882) e op. 111 (1891), col raddoppio della viola.
L’Allegro moderato iniziale è in forma-sonata,
con un primo tema morbido e seducente, che
subito sfocia in una sinuosa melodia discendente a terzine; il discorso musicale si anima
improvvisamente e questo semplice spunto
viene subito sottoposto a un intenso lavorìo da
parte di tutti gli strumenti dell’orchestra. Il secondo tema, esposto dai clarinetti in terze parallele ha un sapore dolcemente popolare,
quasi di ländler viennese, e conclude in pianissimo la prima parte del movimento. Lo sviluppo si apre con la ripetizione del primo tema, ricordo degli Sviluppi di Haydn e richiamo
esplicito alla «classicità» della Serenata, per
proseguire con una lunga elaborazione motivica, basata sulla melodia discendente a terzine, che viene scomposta da Brahms in un
mirabile gioco contrappuntistico.
Un lungo pedale di tonica (ancora una tecnica
compositiva «classica») porta alla Ripresa,
che si snoda parallela all’Esposizione differendone solo nella diversa strumentazione
dei temi. L’ampia Coda finale si nutre ancora
di elementi motivici tratti dalla melodia discendente a terzine, ma conclude il movimento riprendendo i carattere tenero e popolare del secondo tema.
Lo Scherzo successivo è una sferzata ritmica
alle orecchie dell’ascoltatore: il robusto tema
principale affidato esclusivamente ai fiati, è
costruito sull’ambiguità del metro ritmico, che
è ternario in partitura, ma sul quale Brahms
sovrappone un’insistita e martellante struttura binaria. Interessante dal punto di vista del
colore armonico è poi la ripetizione di questo
tema nella lontana tonalità di mi maggiore seguita immediatamente dal brusco rientro nel
tono d’impianto. Il Trio centrale è più lirico:
clarinetti e fagotti in seste parallele propongono un motivo dolce e delicato, poco turbato
dall’insistenza ritmica degli archi, che ripropongono il ritmo scatenato dello Scherzo.
Nell’Adagio non troppo molti critici e commentatori dell’opera di Brahms hanno voluto
vedere un omaggio bachiano: il tema principale in 12/8 ricorda effettivamente molto da
vicino il tema della grande Passacaglia in do
minore per organo di Bach.
La ricorrenza di questo tema domina interamente questa straordinaria pagina orchestrale, mirabile per la sapiente strumentazione,
per la cupa sonorità, per quell’aura mistica
che la pervade da cima a fondo. La potenza
d’ispirazione del tema di passacaglia non de ve però far passare in secondo piano la presenza di un limpido secondo tema, esposto
dai legni in stile quasi corale, e di alcuni momenti di vera e propria magia sonora (su tutti
il solare intervento del corno, sopra il tremolo
della viola) che valsero, a questo Adagio la
sincera ammirazione di Clara Schumann.
Il Quasi menuetto, con la sua discrezione, il
suo passo felpato, la sua elegante noncuranza, sembra non voler contrastare troppo
l’intensa religiosità dell’Adagio precedente;
strutturato nella canonica forma MinuettoTrio-Minuetto, evidenzia un’orchestrazione e
un’ispirazione melodica che diremmo schubertiane (e proprio a Schubert si richiama il
tema del Trio, affidato alla voce dolce e malinconica dell’oboe).
Conclude la Serenata un Rondò dal sapore
quasi rustico, nel quale spicca il carattere festoso e popolare del primo tema affidato
dapprima ai clarinetti ma ripreso, elaborato
e ripetuto poi con gioia da tutti gli strumenti
dell’orchestra. Un breve ripiegamento interiore si ha col secondo tema, esposto da clarinetti e fagotti, ma l’apparire del terzo tema
riporta all’atmosfera di danza paesana dell’inizio. Lo Sviluppo riprende sostanzialmente
i materiali tematici dell’Esposizione, con la
sola aggiunta di un nuovo motivo di straordinaria dolcezza, ancora affidato ai clarinetti
sopra i cullanti arpeggi di flauto, viola e fagotto. Nel turbinio ritmico e sonoro della Ripresa si staglia tagliente la voce dell’ottavino,
protagonista anche della Coda, costruita sopra il tema principale e tutta giocata sulle vivaci scalette in progressione dal grave all’acuto dei legni (clarinetto, fagotto, corno,
oboe, flauto, ottavino).

italiano

Concerto sinfonico Orchestra Sinfonica “Vittorio Calamani” by Dvořák, Brahms, Minn (2020/2020), Surmast Direttur Hossein Pishkar, Piazza XX Settembre, Configni, Italy

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