State Opera Berlin / Anmeldelser

Danach beginnt das Spiel von Don Giovanni und er führt sie alle an der Nase herum, aber sie wehren sich! Donna Elvira als superschlechtgelaunte Verlassene ruiniert nebenbei die Kamera-Ausrüstung des erfolgreichen Fotografen Giovanni, Zerlina versucht mit mäßigem Erfolg, ihn zu anständigem Benehmen zu zwingen und Donna Anna überwindet mit Hilfe des treuen Don Ottavio ihre Trauer. Am Ende fährt Don Giovanni auf einer Bahre von der Leichenhalle in die Hölle. Auf das Ende angestoßen wird mit einem Blue-Curacao-Cocktail, der mit süßen Erdbeeren dekoriert ist. Lecker!

The Staatskapelle Berlin, keenly directed throughout by Ido Arad, did not put a foot wrong, evoking, somewhat to my surprise, a sound not so distant from that of Neville Marriner’s vintage Academy of St Martin in the Fields. Bright, precise, and likewise with pinpoint timing, here was another crucial dimension never to be reduced to anything else, yet likewise never approaching abstraction. The aesthetics, then, were as ‘right’ as the execution.

Pauline Texier incarne quant à elle le rôle de Blonde avec un naturel qui semble inné. Forte de sa technique sûre et de son timbre clair et léger, la soprano française livre une interprétation sans faille (qui lui vaut un triomphe amplement mérité). Elle fait passer une intention musicale en dépit des difficultés techniques imposées par Mozart. Son phrasé reste toujours expressif et stylistiquement juste : la répétition d’une même phrase est chaque fois l’occasion d’en varier l’expression, comme lorsqu’elle se fâche avec Pedrillo (acte II) ou lorsqu’elle se moque d’Osmin (acte I). De plus, Pauline Texier accentue l’aspect engagé du rôle en campant une Blonde indépendante et militante : c'est elle qui offre des fleurs à Pedrillo à l’acte II, et non l’inverse ("Welche Wonne, welche Lust") !

«…almost ethereally fragrant woven into the G.F.Haas sounds.»

Man nehme zwei prominente Figuren der Zeitgeschichte, die womöglich als Künstler in Berlin gewirkt haben und kombiniere deren unterschiedliche Lebensläufe und politische Haltungen, umgeben von Partnern und anderen Familienangehörigen. Der in Berlin als junger Komponist besonders gepflegte und auch gefeierte Oscar Strasnoy geht davon aus, dass das Musiktheater von den Spannungen zwischen seinen Protagonisten lebt. Als Auftragswerk für die Staatsoper Berlin hat Christoph Hein ein solches Libretto über die am Deutschen Theater unter Max Reinhardt engagierten Künstler Tilla Durieux und Emil Jannings geschaffen:

Was kann man am Nachmittag vor der Walpurgisnacht Besseres tun als in den Tannhäuser gehen? Das Brauchtum rankt(e) sich um die Themen Fruchtbarkeit, rituelle Liebesakte, die Abwehr von Seuchen und generell dem Bann der Umtriebe des Bösen. Einiges von diesem Hokuspokus ist auch in der Inszenierung der Berliner Choreografin Sasha Waltz aus dem Jahr 2014 zu sehen. Natürlich greift sie in ihrer einzigartigen Bühnenarbeit (ein Weiterreichender Produktion beliebig an andere Häuser ist gar nicht möglich, weil die komplexe Ballettregie nur von ihrer eigenen Compagnie geleistet werden kann) auf das zurück, was sie kann: Tanz, Bewegungstheater, Pantomime. Hemmungslose Sexualität, Sublimierungen, idealisierte, sakrale Unantastbarkeit von Frau und Mann und alles dazwischen sind Auslöser der unversöhnlichen Konflikte der Titelfigur der Wagner Oper. Entweder-Oder ist aber im realen Leben nicht: Natürliche Triebe und „pure“ Liebe, die mehr für andere als für sich selbst will, müssen unter ein Dach. Das ist nicht einfach. Da kann das Verhalten des Tannhäuser im Grunde gut nachvollzogen werden, dem abwechslungslos vom Einen wie vom Anderen rasch zu viel ist, der sich hin und hergerissen zwischen beiden Polen aber deshalb grob versündigt, weil er egoistisch und empathielos stets nur seinen Bedürfnissen nachgibt.

Presentato solo per la seconda volta al Sociale di Rovigo dalle sue origini, Die Entfűhrung aus dem Serail di Mozart era forse il titolo più atteso della stagione. Il Ratto è uno dei più celebri Singspiel: di quella forma popolare, amata nel mondo germanofono e mista di prosa e canto, questo capolavoro è senz’altro l’episodio maggiore, in cui Mozart è riuscito a mutare in un batter d’occhio l’intero assetto di una tradizione, riscrivendone le strutture con esiti sorprendenti e dando inizio alla vera rivoluzione dell’opera che approderà alla concezione del dramma musicale. Mozart compose quest’opera all’età di 26 anni, ed è considerata il suo primo grande capolavoro, di cui è davvero difficile elencare, senza rischiare di omettere qualcosa, le novità presenti.

The nearest thing we have to the Volga river in Andrea Breth’s Káťa Kabanová is a goldfish in a bag, brought in by Kudrjaš at the start. Or maybe it's the bathtub, plonked on the left, from which Káťa sings of her dreams and into which she and those dreams retreat again at the close. This was the first revival of a staging unveiled at the Schillertheater in 2013 (having originated in Brussels), and it's a stern, serious show. Annette Murschetz’s set features two walls loosely confining a sort of wasteland of domestic life, a field of broken dreams. There’s a fridge, into which Káťa is squeezed at the start and retreats after her tryst with Boris. Two faded portraits of relatives peer down from on high, doubly distant. Another result of the production seemed to be that it detracted slightly from the role of Kabanicha, whose responsibility for Káťa’s downfall feels almost incidental in surroundings already so oppressive and bereft of hope. This was possibly compounded by the fact that Rosalind Plowright’s performance was less large-scale than some. Nevertheless, the wiry intensity of her characterisation was highly effective, and she was brilliantly po-faced in the production’s only moment of comedy, rifling dutifully around in the trousers of Pavlo Hunka’s drunken Dikoj.

“After missing his chance to play Wotan in Das Rheingold due to quarantine complications, baritone Warwick Fyfe finally steps into those big boots. He has often shown his charming comic talents before, but here he conveys the frustration and sorrow of a mighty figure whose mastery is waning. Even in Wotan's lengthy Act Il exposition of the Das Rheingold backstory, Fyfe demands the audience's attention with his voice's power, rich tone and nuance, and assurance as an actor.His performance is particularly moving in the final scene, when Wotan reluctantly punishes and parts from his daughter.” Patricia Maunder, Limelight Magazine. 10/02/2022 .

Christopher Ward provided the evening with focused, balanced direction, making sense of the score’s metallic textures, interjections of arrhythmic percussion and myriad musical references without depriving the most grandly-scaled scenes of their force. The choir, too, were on fine form, bringing a vast, weighty sound to key moments. If Mr Widmann intended the opening chorus and the surprisingly optimistic conclusion to sound unwieldy and slightly chaotic, the massed forces of the orchestra and choir gave them an accessible immediacy. Indeed, the musical clarity of Babylon’s most ambitious moments went some distance to tempering the story’s dramatic imbalances. If Mr Sloterdijk’s libretto was unwilling to let plot or character get in the way of large themes, Mr Widmann’s flirtations with traditional operatic pleasures and his ability to construct scenes on an epic scale may prove enough to draw audiences into the opera’s intellectual world. Babylon has traditionally been a world of spectacle, and the opera, for all its attempts at revisionism, was not without its own sense of the spectacular.