Franck Evin / Reviews

Die Philharmonia Zürich unter Leitung von GMD Gianandrea Noseda leistet diesem Aufruf unbedingt Folge und spielt hochkonzentriert einen wunderbar leichten, frischen Wagner. Ein besonderes Lob verdienen die traumhaft schönen und sicheren Blechbläser. Das Spiel ist perfekt austariert, von pianissimo bis fortissimo, es stehen alle Farben zu Verfügung und die Sänger bleiben immer hörbar. Besonders eindrücklich ist, wie das Vorspiel im völlig dunklen Zuschauerraum beginnt und Noseda mit einer kleinen Taschenlampe dirigiert. Christian Schmidt (Ausstattung) hat Andreas Homoki für seine Inszenierung von Wagners Opus Magnum auf der Drehbühne ein Einheitsbühnenbild aus drei identischen, weiss getäferten Räumen geschaffen, die einerseits auf die Entstehungszeit Bezug, andererseits als Leinwand und Projektionsfläche dienen können. Mit wenigen Versatzstücken kann hier Atmosphäre geschaffen werden: Die blondierten, an Marilyn Monroe erinnernden Rheintöchter haben ein grosses Bett als Spielplatz, die Goldnuggets, die Alberich sich erobert hat erinnernden an einen grossen Haufen Baked Potatoes und Walhall ist ein übergrosses, romantisches Gemälde. So gelingt es Homoki, nur zu inszenieren, also die Geschichte mit aktuellen, adäquaten Bildern auf die Bühne zu bringen und sie nicht noch zu interpretieren, als eine Deutung der Geschichte nachzureichen. Der Zuschauer ist wohltuend frei, selbst zu deuten. Franck Evin setzt die überzeugende Arbeit wie gewohnt gekonnt ins rechte Licht.

Gianandrea Noseda ist bei seinem Debut-Dirigat des Rheingolds mit der gut gelaunt-wachen Philharmonia Zürich ein vielversprechender Auftakt gelungen: es gab neben grossartigen Zwischenspielen ungewöhnliche leise Stellen, die mich sehr überzeugten und damit den Sängern die Möglichkeit zu sprachlicher Modulation ermöglichten. Regie: Intendant Andreas Homoki ist eine sehr lebendige, bildmächtige Inszenierung gelungen, die gut unterhalten hat, hervorzuheben ist die äusserst interaktive Personenregie, die manchmal fast an Familienaufstellungen erinnerte. Zutaten für den Erfolg des Abends waren eine Portion Theaterzauber und die Lichtregie von Frank Evin.

Mauro Peter incarne un Narraboth lumineux et émouvant, qui pointe son poignard sur Jochanaan avant de le diriger contre lui-même. Michaela Schuster est une Hérodiade cynique et condescendante, alors que Wolfgang Ablinger-Sperrhacke compose un Hérode faible et veule qui ne peut à aucun moment masquer son désir pour Salomé. Pour la petite histoire, on signalera que chacun des cinq juifs est chanté par trois interprètes différents, Andreas Homoki ayant découvert dans la partition une note de Strauss disant que les voix des solistes pouvaient être remplacées par des choristes talentueux, à la discrétion du chef. La saison lyrique zurichoise a démarré sous les meilleurs auspices.

Das interessante Bühnenbild besteht aus einer Scheibe am Himmel, welche den Mond darstellt und sich auf dem Boden in gleicher Größe widerspiegelt und als bewegliche Spielfläche dient. Aus dem verborgenen Palast, führt ein Steg hinüber zur sichtbaren Welt. Über sie betreten die Darsteller die Bühne. Dort symbolisiert ein riesiger Mahlstein die zerstörerische Kraft, welche sich langsam und drohend auf das Geschehen zubewegt.

During di Luna’s cabaletta “Per me ora fatale”, Thomas times a comedic moment absolutely spot on. The soldiers sing something like “Let’s go, let’s hide in the shadows” as they try to leave, bringing the Count with them, but he keeps heading back centre stage to bellow out his cabaletta, so they get all frustrated, roll their eyes and again try to drag him away, but no, there he goes again. The timing of the music perfectly fits this silly gag, which I found pretty funny.

Die grosse Sopran-Rolle der Oper, die Adelige Leonora, wurde von der wunderbaren lettischen Sopranistin Marina Rebeka gesungen, die ihren Part mit flexibler, in der Höhe strahlender, aber gleichwohl eher dunkel-timbrierter Stimme ausgezeichnet interpretierte. Die Koloraturen der Cabaletta der leidenschaftlich gesungenen Arie “Tacea la notte placida”, gelangen ihr vorzüglich, während das von wunderbaren Orchesterfarben getragene, fast im Raum schwebende “D’amor sull’ali rosee” mit dem darauf folgenden Miserere und der Cabaletta “Tu vedrai che amore in terra” magische Opern-Momente erzeugte.

Vocally, there was a great deal to admire. The opera can hardly be considered anyone’s favourite Verdi, but is certainly a fine vehicle for Verdian voices. Christian Gerhaher, best known for Schubert Lieder and modern works, sang the role for the first time last year, and I felt that – fine as a singer he undoubtedly is – he is not quite right for Simon. Tézier’s rich, deep voice is, however, simply perfect for the role, and each note a feast for the ears. Gerhaher may be the more nuanced actor, but give me the voice each time. Jennifer Rowley continued to impress as Amelia after a slightly bumpy start – top notes spot on. Christof Fischesser was in very fine voice, his low notes always something to look forward to. The strong baritone of Nicholas Brownlee as Paolo added to the excellent vocal mix. Brent Michael Smith as Pietro was a firm bass. The sextet at the end of Act I was glorious.

Marco Armiliato led the Philharmonia Zürich in a very energetic rendition, at times with a heavy hand. This was especially noticeable in the cavatina of the soprano “Come in quest’ora bruna”, where the orchestra “rolls”, imitating the waves of the sea. Here, the result was more a train running over the delicate, sweet rendition of Jennifer Rowley (Amelia). Globally, however, the orchestra was exciting and engaging, with sweeping phrasing and remarkable brass sound.

Die musikalische Leitung des Abends hat Jordan de Souza. Mit sparsamen, sehr deutlichen Gesten hat er das Geschehen immer unter Kontrolle. Die Tempi überzeugen, die Lautstärken dürften noch unter Kontrolle zu bekommen sein. Die Philharmonia Zürich im hochgefahrenen Orchestergraben folgt ihm höchst konzentriert und mit viel Spielfreude. Ein Extra-Lob verdienen die wunderbaren Holzbläser. Der Chor der Oper Zürich absolvierte seine nicht immer einfachen Auftritte mit schönem Klang und bewundernswerter Motivation.

En fosse, avec une alacrité inaccoutumée dans cet ouvrage, le jeune et bouillonnant chef canadien Jordan de Souza dirige une brillante Philharmonia Zürich, aux sonorités contrastées et à la riche palette de nuances. Toute la flamme, l’énergie, la rage et la poésie qu’appelle le chef d’œuvre de Mozart sont ici restituées avec autant de force que de conviction, et la direction musicale n’est ainsi pas la moindre des satisfactions de notre soirée lyrique suisse !

Olga Kulchynska effectue ainsi ses débuts dans le rôle de Blanche en orientations clairvoyantes, conduisant sa partition dans les pas de Mélisande. Les accès de colère ou de tristesse ne s’extériorisent pas, ils naviguent au cœur d’une expression sophistiquée de surface, nette et bienveillante. Les phrases commencent avec l’attrait de la nouveauté, se terminent dans la retenue des mots et passent par un ensemble d’étapes consolidées : de l’accélération au ralentissement, l’enrobage en musique instille une vérité spontanée au texte. Evelyn Herlitzius manie la maïeutique de la note et l’expérience du jeu dans la maladie de madame de Croissy. C’est par elle et son « drame » que la mise en scène de l’acte I s’anime.

En quoi croyons‑nous ? Quelles sont nos valeurs ? Pour quoi serions-nous prêts à mourir ? Comment conjurer nos angoisses existentielles ? Toutes ces questions qu’appellent Dialogues des carmélites résonnent avec une acuité particulière en cette période troublée, alors que la façade de l’Opernhaus de Zurich s’est parée des couleurs de l’Ukraine. La metteur en scène Jetske Mijnssen répond avec une nouvelle production du chef‑d’œuvre de Francis Poulenc alliant simplicité et sobriété. S’inspirant de la visite d’un monastère en Suisse, elle a placé l’action dans un décor unique constitué d’une immense pièce aux murs gris et nus, décorée de quelques chaises et meubles, gris eux aussi. La pièce devient alternativement une salle du palais du marquis de La Force, un espace du carmel puis la prison dans laquelle sont enfermées les carmélites. Le spectacle, des plus traditionnels, est fluide et efficace ; il permet de se concentrer pleinement sur la musique. Il est aussi parsemé de quelques idées originales : dans les premières scènes, qui se déroulent dans le palais du marquis de La Force, les chanteurs sont doublés par des danseurs. La scène finale est particulièrement émouvante : les geôliers ont inscrit à la craie sur les murs les noms des condamnées à mort. Les carmélites sont regroupées au centre du plateau et chaque fois que la musique suggère la guillotine, l’une d’elle baisse la tête, se détache du groupe et vient effacer son nom avec sa main. Glaçant.

Wirth has accompanied Thomas Hampson in recital, and the baritone played the role of Valmont in Les Liaisons Dangereuses for which Littell wrote the libretto. Their intimate knowledge of Hampson’s voice and artistry undoubtedly contributed to their creation of the character of Vermeer, in which they provided the singer with a role that is the perfect capstone to his long career.

L’excitation d’une création mondiale suscite toujours des attentes. En particulier celle de Girl with a Pearl Earring à l’Opernhaus de Zurich cette saison. Stefan Wirth, compositeur suisse de 47 ans, jouit d’une réputation certaine ; Thomas Hampson et Laura Aikin ont rejoint l’aventure et le petit génie discret de la mise en scène (et excellent librettiste) Ted Huffman rempile à la réalisation scénique. Girl with a Pearl Earring rejoint aussi la liste des œuvres lyriques qui trouvent leurs origines dans une double filiation littéraire et cinématographique, puisque le livret est extrait du roman éponyme de Tracy Chevalier (1999) et surtout de son adaptation cinématographique de 2003 (Peter Webber avec Scarlett Johansson dans le rôle de Griet).

Wunderbar Peter Bording als Jupiter, ein Bürger im Anzug, der seine Priviliegien davonschwimmen sieht; dass er Eurydike als Fliege becircen will, ist von grausam-komischer Konsequenz. Dazu passt sein verzweifelt blasierter Gesang.

“Fire of Disrespect” (Émile Zola). "Max Hopp as John Styx, who speaks dubbing, is an excellent cast - just as wonderfully strange as the production itself."