Janko Kastelic / Vélemények

During di Luna’s cabaletta “Per me ora fatale”, Thomas times a comedic moment absolutely spot on. The soldiers sing something like “Let’s go, let’s hide in the shadows” as they try to leave, bringing the Count with them, but he keeps heading back centre stage to bellow out his cabaletta, so they get all frustrated, roll their eyes and again try to drag him away, but no, there he goes again. The timing of the music perfectly fits this silly gag, which I found pretty funny.

Die grosse Sopran-Rolle der Oper, die Adelige Leonora, wurde von der wunderbaren lettischen Sopranistin Marina Rebeka gesungen, die ihren Part mit flexibler, in der Höhe strahlender, aber gleichwohl eher dunkel-timbrierter Stimme ausgezeichnet interpretierte. Die Koloraturen der Cabaletta der leidenschaftlich gesungenen Arie “Tacea la notte placida”, gelangen ihr vorzüglich, während das von wunderbaren Orchesterfarben getragene, fast im Raum schwebende “D’amor sull’ali rosee” mit dem darauf folgenden Miserere und der Cabaletta “Tu vedrai che amore in terra” magische Opern-Momente erzeugte.

Vocally, there was a great deal to admire. The opera can hardly be considered anyone’s favourite Verdi, but is certainly a fine vehicle for Verdian voices. Christian Gerhaher, best known for Schubert Lieder and modern works, sang the role for the first time last year, and I felt that – fine as a singer he undoubtedly is – he is not quite right for Simon. Tézier’s rich, deep voice is, however, simply perfect for the role, and each note a feast for the ears. Gerhaher may be the more nuanced actor, but give me the voice each time. Jennifer Rowley continued to impress as Amelia after a slightly bumpy start – top notes spot on. Christof Fischesser was in very fine voice, his low notes always something to look forward to. The strong baritone of Nicholas Brownlee as Paolo added to the excellent vocal mix. Brent Michael Smith as Pietro was a firm bass. The sextet at the end of Act I was glorious.

Marco Armiliato led the Philharmonia Zürich in a very energetic rendition, at times with a heavy hand. This was especially noticeable in the cavatina of the soprano “Come in quest’ora bruna”, where the orchestra “rolls”, imitating the waves of the sea. Here, the result was more a train running over the delicate, sweet rendition of Jennifer Rowley (Amelia). Globally, however, the orchestra was exciting and engaging, with sweeping phrasing and remarkable brass sound.

They even manage somewhat to navigate the impossible scene in Act 2 when all three main characters are in bed together, Isolier dressed up as Adèle, the deceived Count Ory passionately embracing him, Adèle hiding in Isolier’s arms. The scene is not exactly believable, but it’s pretty funny. Rossini recycled most of Il viaggio a Reims’ music for this farce, adding an unusually short and unimpressive overture, a couple of charming duets, and a sensational trio for the three-in-the-bed scene. It is astonishing how Rossini manages to write spectacular music for the silliest of situations. This scene (worthy of panto) requires the whole toolbox of an experienced singer: legato, precision, control, coloratura, perfect intonation and (most of all) elegance. How you sing with elegance when you are pretending to be in bed with all the wrong people and everybody is guffawing in the audience is beyond me, but the trio of principals in Zurich did precisely that, and it was great.

Der wollüstige Graf Ory will von der kriegsbedingten Abwesenheit vieler Ehemänner im Land profitieren, verkleidet sich als Eremit und als Nonne, um sich so an die Frauen, welche ein Keuschheitsgelübde abgelegt haben, heranzumachen, wird aber immer wieder enttarnt und muss schliesslich von dannen ziehen, ohne zum Ziel gelangt zu sein.

Die musikalische Leitung des Abends hat Jordan de Souza. Mit sparsamen, sehr deutlichen Gesten hat er das Geschehen immer unter Kontrolle. Die Tempi überzeugen, die Lautstärken dürften noch unter Kontrolle zu bekommen sein. Die Philharmonia Zürich im hochgefahrenen Orchestergraben folgt ihm höchst konzentriert und mit viel Spielfreude. Ein Extra-Lob verdienen die wunderbaren Holzbläser. Der Chor der Oper Zürich absolvierte seine nicht immer einfachen Auftritte mit schönem Klang und bewundernswerter Motivation.

En fosse, avec une alacrité inaccoutumée dans cet ouvrage, le jeune et bouillonnant chef canadien Jordan de Souza dirige une brillante Philharmonia Zürich, aux sonorités contrastées et à la riche palette de nuances. Toute la flamme, l’énergie, la rage et la poésie qu’appelle le chef d’œuvre de Mozart sont ici restituées avec autant de force que de conviction, et la direction musicale n’est ainsi pas la moindre des satisfactions de notre soirée lyrique suisse !

Olga Kulchynska effectue ainsi ses débuts dans le rôle de Blanche en orientations clairvoyantes, conduisant sa partition dans les pas de Mélisande. Les accès de colère ou de tristesse ne s’extériorisent pas, ils naviguent au cœur d’une expression sophistiquée de surface, nette et bienveillante. Les phrases commencent avec l’attrait de la nouveauté, se terminent dans la retenue des mots et passent par un ensemble d’étapes consolidées : de l’accélération au ralentissement, l’enrobage en musique instille une vérité spontanée au texte. Evelyn Herlitzius manie la maïeutique de la note et l’expérience du jeu dans la maladie de madame de Croissy. C’est par elle et son « drame » que la mise en scène de l’acte I s’anime.

En quoi croyons‑nous ? Quelles sont nos valeurs ? Pour quoi serions-nous prêts à mourir ? Comment conjurer nos angoisses existentielles ? Toutes ces questions qu’appellent Dialogues des carmélites résonnent avec une acuité particulière en cette période troublée, alors que la façade de l’Opernhaus de Zurich s’est parée des couleurs de l’Ukraine. La metteur en scène Jetske Mijnssen répond avec une nouvelle production du chef‑d’œuvre de Francis Poulenc alliant simplicité et sobriété. S’inspirant de la visite d’un monastère en Suisse, elle a placé l’action dans un décor unique constitué d’une immense pièce aux murs gris et nus, décorée de quelques chaises et meubles, gris eux aussi. La pièce devient alternativement une salle du palais du marquis de La Force, un espace du carmel puis la prison dans laquelle sont enfermées les carmélites. Le spectacle, des plus traditionnels, est fluide et efficace ; il permet de se concentrer pleinement sur la musique. Il est aussi parsemé de quelques idées originales : dans les premières scènes, qui se déroulent dans le palais du marquis de La Force, les chanteurs sont doublés par des danseurs. La scène finale est particulièrement émouvante : les geôliers ont inscrit à la craie sur les murs les noms des condamnées à mort. Les carmélites sont regroupées au centre du plateau et chaque fois que la musique suggère la guillotine, l’une d’elle baisse la tête, se détache du groupe et vient effacer son nom avec sa main. Glaçant.