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33Prima della "Tosca" al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, in chiusura della rassegna di settembre "Passione Puccini". Pubblico in gran parte giovane e grande successo per la soddisfazione del Sovrintendente Cristiano Chiarot - See more at: http://www.rainews.it/dl/rainews/TGR/media/tos-tosca-puccini-maggio-musicale-fiorentino-teatro-firenze-sovrintendente-chiarot-55b26ea6-e456-43a7-ac50-8580af340fa9.html
Bene Levent Bakirci quale toccante Gloster
Edgar and Edmund’s father, the Duke of Gloucester, mirrors Lear. He is blind to the true feelings his sons’ have for him, and therefore easy to manipulate. Old age has made him vulnerable. Playing the role was the Turkish baritone, Levent Bakirci, who, again mirroring Skovhus’ Lear, looked and sounded much younger. He made an excellent impression nonetheless. His voice possesses an interesting array of colors, which he projects well, with clear, well-focused intonation,
L’ottimo Araldo di Matteo Mancini.
L'Araldo di Matteo Mancini che si distingue per precisione e musicalità.
Il Marchese di Matteo Mancini, da lodare per voce e attitudine scenica.
Buoni gli interpreti dei Deputati fiamminghi.
Composta da un Wolfgang Amadeus Mozart dodicenne, La finta semplice è un’opera per certi versi problematica: non si sa con esattezza quando avviene la prima rappresentazione (si suppone nella primavera del 1769 nel Palazzo Arcivescovile di Salisburgo), in quanto quella programmata a Vienna l’anno precedente naufraga per l’avversione dell’establishment musicale della capitale, e i giudizi critici su questa che può essere considerata la prima prova organica del Mozart operistico sono sempre molto contrastanti. Un po’ di colpa può averla il libretto di ascendenza goldoniana firmato da Marco Coltellini, che sfrutta tutti i luoghi comuni dell’opera comica del tempo per costruire una trama ingarbugliata e non sempre efficacissima, ma che è comunque piuttosto in linea con la produzione del genere in quel periodo. Tuttavia, la musica è quella di un genio alle prime armi e spesso sembra di udire anticipazioni dai capolavori della Trilogia dapontiana.
La Spagna di Carmen è uno stereotipo, si sa. Georges Bizet d’altronde non era mai stato nella penisola iberica e tutte le sue conoscenze venivano dalla frequentazione del salotto parigino dei coniugi Viardot, a lungo un centro di irradiazione della cultura ispanica nella capitale francese: Pauline infatti aveva in repertorio un gran numero di melodie spagnole che spesso presentava nei suoi ricevimenti accompagnata dal pianoforte, Louis Viardot consigliava al compositore sulla letteratura francese, mentre fu Ivan Turgenev a convincere definitivamente i librettisti Ludovic Halévy e Henri Meilhac che la novella di Merimée era un’ottima trama per un’opera. Nella Parigi della giovane Terza Repubblica, Carmen rappresenta così l’apice di una “Iberomania” che investe gradualmente la Francia lungo tutto l’Ottocento. Non è tuttavia un caso che quando l’opera venne presentata per la prima volta a Madrid nel 1887, dopo il successo postumo del titolo nel resto d’Europa, l’accoglienza non fu così benevola, dato che quella immagine della Spagna era una cartolina da cui gli spagnoli si sentivano ormai ampiamente emancipati e più vicini al mondo europeo. Ma il contesto andaluso di Carmen è un puro pretesto per permettere al pubblico parigino dell’epoca di filtrare attraverso l’esotismo la vicenda narrata, cioè quella di una donna libera “comme l’air”, perfetto archetipo della libertà, e che la società fatica ad accettare.
L'ultima produzione di Carmen al Teatro del Maggio con regia a firma di Leo Muscato fece parlare molto (sin troppo) dell'allestimento, e in particolare della scelta a dir poco discutibile di stravolgere il finale, spostando l'attenzione dagli esiti musicali. Esiti che furono per lo più lodevoli nelle stagioni - tra il 2018 e il 2019 - in cui lo spettacolo fu ripreso più volte, con vari cast e direttori, fin quasi allo sfinimento, così come costumava negli autarchici anni a guida Chiarot. Ogni sovrintendente ha le sue caratteristiche e quelle di Pereira, la cui esperienza fiorentina si è conclusa da poco, sono ben percepibili nella Carmen che ha appena debuttato nel capoluogo toscano.
In the Theater am Gärtnerplatz the world is on the brink. Josef E. Köpplinger stages the operetta with a lot of verve.
“l’esuberante Amore di Konstantin Derri”
Amore was played by countertenor Konstantin Derri, who delighted with his rapid coloratura displays. His monochromatic voice has a beautiful timbre and is ideally suited to playing idealized figures. Together the voices blended well, creating an interesting array of textures.
Festosi ed appropriati la Dryade di Silvia Spessot, graziosa e musicale
Liviu Holender ottimo nel ruolo di Harlekin
le séduisant baryton de Liviu Holender en Harlekin
Indubbio protagonista è l’istrionico Bruno De Simone, perfettamente a suo agio nel ruolo dello speziale. La sua interpretazione è un vero saggio sull’arte del basso-buffo, la dizione è da manuale, ogni parola ha il giusto peso e nella linea di canto non ci sono mai cadute di stile per questo personaggio dalla maschera ironica e amara, mai grottesca. Con piacere trovo Borja Quiza (che conobbi e apprezzai in The beggar’s opera) come Enrico: il baritono spagnolo è da considerarsi ormai più che una promessa. Grande è la disinvoltura scenica e il senso del ritmo; la voce, dal colore virile, è ben amministrata e corre. Non ci sono scivolate di gusto nella caratterizzazione dei tre diversi personaggi che, suonando il campanello, tengono Don Annibale sveglio tutta la notte
Le due protagoniste femminili Silvia Spessot e Francesca Mercuriali hanno voci di soprano piuttosto mature tecnicamente, che corrono in teatro senza fatica, sono entrambe interpreti divertenti, dotate di personalità spiccata.
Come sempre si rivelano ottimi i comprimari, dall’Hanezò ben timbrato e curato di Francesco Samuele Venuti all’incisivo Federico di Dave Monaco, con una particolare nota a Caterina Meldolesi nel ruolo della sua omonima, sia per le sempre assai apprezzabili doti vocali che per quelle sceniche.
I comprimari sono sostanzialmente di ottimo livello, a partire dalle due donne: la disinvolta Flora Bervoix di Caterina Piva e la sicura Annina di Caterina Meldolesi.
Molto curati i ruoli di fianco, che hanno una forte rilevanza drammaturgica e musicale: tra gli altri, il Principe Alexis del tenore Giorgio Misseri, che mantiene Stephana e viene mortalmente ferito da Vassili, motivo poi della condanna ai lavori forzati in Siberia, il mezzosoprano Caterina Piva, la governante Nikona madrina di Vassili che tenta invano di interporsi tra lui e Stephana e, nel cameo del secondo atto il promettente soprano Caterina Meldolesi, la fanciulla in cerca del padre.
davvero eccellenti i comprimari fra i quali bisogna citare almeno i due meno comprimari degli altri, Giorgio Misseri che fa Alexis e Caterina Piva che fa Nikona, la cameriera di Stephana, più Caterina Meldolesi che ha lasciato un’ottima impressione nella scena della Fanciulla del terzo atto, un bozzetto patetico cui evidentemente Giordano non riusciva a rinunciare, quasi un pendant della micidiale sceneggiata della vecchia Madelon dello Chénier.
The youthful cast is dominated by Ekaterina Bakanova's secure presence as Magda. The Russian soprano mastered her role perfectly, with an elegant vocal characterization, well built sounds in the middle register and sure in the acuti.
Elina Ratiani, "La Principessa di gelo", after her debut in the role of Turandot in the Teatro Antico of Taormina and the Greek Theatre of Siracusa next to the late and majestic Marcello Giordani in Calaf, in 2020 she was Aida in the same Theatre of Taormina, demonstrated her growing value, knowing how to combine elegance and power within an easily recognizable and unique timbre. What surprised us was the completeness of the young artist. Long, brilliant and singing treble in their fullness, a thundering voice with a dark, romantic timbre. On top of that, her stage presence is in our opinion impressive and her dramaturgical ability, the expressiveness of her face, almost cinematic. Her arrival in Florence, in one of the most important theatres in Italy, has been the confirmation of the attention that the world of opera has for the potential of the young Russian-Georgian singer.
l’Ernesto à dire vrai quasiment idéal de Maxim Mironov. On note d’abord l’aspect juvénile adéquat pour le personnage, mais on ne cessera d’être émerveillé par le raffinement musical du chanteur, qui module jusqu’aux nuances les plus infimes et témoigne ainsi d’une maîtrise vocale telle qu’on en reste comblé. Cet art de la ciselure est-il perceptible loin de la scène ? Où nous étions il nous a comblé.
Spicca Levent Bakirci nel ruolo del protagonista, baritono chiaro, seppure penetrante e incisivo, oltre che efficace nell'uso delle mezze voci, capace di non abbassare mai il livello di tensione dalla prima frase all'ultima, in un coinvolgimento, anche fisico, totale.
Artisti di grande livello hanno saputo integrarsi e reagire alle forti "provocazioni" registiche in maniera sublime; nel ruolo eponimo il baritono Levent Bakirci ha sapientemente delineato sia con il fisico che con la voce il personaggio nella sua totalità; il canto si è fatto preghiera, lamento, speranza, disperazione con una partecipazione emotiva che mi ha coinvolto intensamente; ha modulato con la voce tutte le emozioni mettendo in risalto l'eleganza di un fraseggio seppur discontinuo come richiesto dalla partitura, ma anche la capacità di saper gestire con fermezza i difficili intervalli musicali non perdendo mai di vista l'obiettivo drammaturgico e le esigenze sceniche in cui ha saputo mirabilmente amalgamarsi offendo il suo corpo alla compagnia di danzatori che lo hanno fatto esprimere in maniera molto suggestiva e realistica di pari passo con la voce.
