Past Production Reviews
4Si rivela invece completamente solo nel finale ma con grande forza espressiva il disegno registico di Paolo Vettori: nell’istante in cui José accoltella Carmen ogni membro del coro estrae il proprio telefono, scatta foto (addirittura “selfie”) effettua riprese video e illumina la scena, ora buia, con la torcia del telefono o il flash (molto efficace durante tutta l’opera il lavoro sulle luci di Lorenzo Maletto) con cinismo e distacco, senza badare affatto a Carmen. Siamo quindi nel 2022 e Carmen è una donna di oggi, vittima di quello che abbiamo imparato a identificare come femminicidio, ovvero l’uccisione di una donna da parte di un uomo causata dal suo essere donna e dalla volontà maschile di mantenere la donna assoggettata alla propria volontà e a quella del sistema patriarcale che ben conosciamo. Chi meglio di Carmen può raccontare tutto questo? Chi meglio di José rappresenta quegli uomini che non riescono ad accettare che una donna possa decidere per sé stessa? Non è fortunatamente questa una Carmen dove la protagonista viene incolpata del proprio destino (certo nessuno nega sia consapevole delle conseguenze che potrebbero esserci per le sue azioni, ma lo dice il personaggio stesso più volte nel libretto) e la gitana del 1840 è ormai tutte noi, formalmente libere ma di fatto ancora incatenate da un sistema patriarcale che nega una completa indipendenza e una vera libertà. Interessanti anche le scelte registiche legate a Micaëla (evidentemente incinta di José) ed Escamillo, rappresentato come celebrità in fuga dai suoi ammiratori e decisamente meno narcisista del solito.
La regia di Paolo Vettori realizza, con scene essenziali di Claudia Boasso e costumi di Laura Viglione, un percorso fedele all’adattamento dell’opera suggerito dal testo recitato più che dall’opera di Bizet. Ed ecco la casetta di Bizet nel primo atto, la pareti coperte di veli blu notte per il quadro dei contrabbandieri che vengono tolti per svelare quinte che raffigurano immagini della corrida nell’ultimo quadro. Prevalgono i toni scuri e l’ambientazione novecentesca spoglia del tutto l’opera da ogni richiamo folcloristico spagnoleggiante (evidente solo dai toni azzurri delle sivigliane mattonelle azulejos), riconducendo la vicenda ad archetipo della condizione di femminile e al tragico epilogo che punisce Carmen per il suo desiderio di essersi proclamata donna libera; libera di amare e, per questo, anche di morire in nome di questa libertà. Un femminicidio che non dovrebbe ripetersi, nonostante nella società di oggi, dove la donna ha acquisito tutte le libertà un tempo negatele, molti siano ancora i Don José. Sembra appunto chiederselo lo stesso narratore/Bizet lasciando la scena tenendo aperto l’interrogativo sull’attuale perpetrarsi delle violenze rivolte al genere femminile pronunciando le parole : “Non ci si volterà più dall’altra parte! Vero? Vero? Vero?”.
Antonio Poli is a rightly bold and pleasant Pinkerton, he boasts a beautiful timbre and a good solidity of emission: he approaches the lieutenant of the Navy with enthusiasm to enhance his boastful arrogance, he faces the duet with an excited phrasing to emphasize that the text uttered there is governed only by the ardor of the pelvis, he finally sings "Addio, fiorito asil" with a hint of sincere emotion, also exhibiting beautiful half voices there. Alessio Verna, usually listened to in smaller parts alongside, with Sharpless has the opportunity to highlight a baritone instrument of beautiful color and good volume which, combined with good acting and musical skills, helps the construction of a very multifaceted character . Excellent Suzuki Koberidze while Didier Pieri, in the role of Goro, he proves to have a disciplined voice engaged in very elegant singing. Welcomed by warm open-stage applause in the closed-mouth choir-interlude, the Chorus of the Teatro Regio di Torino confirms that it is an excellence of the Turin institution. The cast is correctly completed by Franco Rizzo (imperial commissioner), Roberta Garelli (Kate Pinkerton), Sofia La Cara (Butterfly's son) and the actor Yuri D'Agostino who, in the narration of the story, embodies Giacomo Puccini. At the helm of the Orchestra of the Teatro Regio in Turin Pier Giorgio Morandi behaves diligently. Of course, in a show where the music proceeds intermittently, constructing a complete and complete speech, getting an idea and giving an idea of one's own reading of Butterfly is difficult, if not impossible - especially in a twentieth century opera where they fail. closed numbers -, however in the isolated interventions one cannot fail to recognize the expert hand of the concertmaster who knows how to keep an eye on the pit and stage without renouncing the construction of functional atmospheres for the dramatic moment. Finally, the show, already presented to the public in Piazza San Carlo several years ago. On the cuts, inevitable due to the nature of the show that has been chosen to offer, we overlook - among the various renunciations, the "flower duet" could however be saved -. The direction Vittorio Borrelli, with scenes by Claudia Boasso and costumes by Laura Viglione is essential if not reduced to the bone: this peculiarity, however, helps Vittorio Sabadin's already well-directed adaptation to focus mainly on the human drama of Butterfly, to speak without laughter of sex tourism - in this regard, how can we forget the magnificent show by Michieletto born at the Regio itself -, without giving much attention to that oleography of a manner that often suffocates and leads to misunderstand this masterpiece
Francesca Di Sauro , who is a mezzo-soprano, is here called to test a decidedly soprano part. He disengages himself with style and exquisite musicality in his arias; in the second, “Gentil parlar con proprio cantar”, he manages to solve with a beautiful timbre the staked notes and blooms that, here as elsewhere, the part requires. He does it with class, stage presence with charming and charming feminine features and earns all the merits necessary to make his Vespetta a well-rounded character. Marco Filippo Romano, who is at the comic opera as sun and sea are integral parts of the Neapolitan landscape perspectives, is a Pimpinone that the show presents almost as a greedy Jew in a sharp white beard; truly memorable is the interpretation offered by the now well-established Sicilian funny baritone, irresistible when he intones the aria of the third act "I know what you say, I know what you do", in which he sings alone as if he were in a "trio" in to which he imitates with a well projected falsetto voice two wives who confront each other complaining about the tyranny of their husbands. Francesca Di Sauro , who is a mezzo-soprano, is here called to test a decidedly soprano part. He disengages himself with style and exquisite musicality in his arias; in the second, “Gentil parlar con proprio cantar”, he manages to solve with a beautiful timbre the staked notes and blooms that, here as elsewhere, the part requires. He does it with class, stage presence with charming and charming feminine features and earns all the merits necessary to make his Vespetta a well-rounded character. Marco Filippo Romano, who is at the comic opera as sun and sea are integral parts of the Neapolitan landscape perspectives, is a Pimpinone that the show presents almost as a greedy Jew in a sharp white beard; truly memorable is the interpretation offered by the now well-established Sicilian funny baritone, irresistible when he intones the aria of the third act "I know what you say, I know what you do", in which he sings alone as if he were in a "trio" in to which he imitates with a well projected falsetto voice two wives who confront each other complaining about the tyranny of their husbands.
